Kunstgeschiedenis 101 Een stevige wandeling door de kunstwis

Trek uw verstandige schoenen aan terwijl we aan een beginnen uiterst verkorte rondleiding door de kunst door de eeuwen heen. Het doel van dit stuk is om de hoogtepunten te raken en je de meest basale basisinformatie te geven over de verschillende tijdperken in de kunstgeschiedenis.

Prehistorisch wissen

30.000-10.000 BCE: Paleolithische periode

Paleolithische volkeren waren strikt jagers-verzamelaars, en het leven was zwaar. Mensen maakten een gigantische sprong in het abstracte denken en begonnen in deze tijd kunst te maken. Onderwerp concentreerde zich op twee dingen: voedsel en de noodzaak om meer mensen te creëren.

10.000-8000 BCE: Mesolithische periode

Het ijs begon zich terug te trekken en het leven werd een beetje gemakkelijker. De Mesolithische periode (die langer duurde in Noord-Europa dan in het Midden-Oosten) zag schilderen uit de grotten op rotsen bewegen. Schilderen werd ook symbolischer en abstracter.

8000-3000 BCE: Neolithische periode

Snel vooruit naar het Neolithicum, compleet met landbouw en gedomesticeerde dieren. Nu voedsel overvloediger was, hadden mensen tijd om nuttige hulpmiddelen zoals schrijven en meten uit te vinden. Het meetgedeelte moet handig zijn geweest voor de megalietbouwers.

Etnografische kunst

Opgemerkt moet worden dat de kunst uit het "steentijdperk" over de hele wereld bloeide voor een aantal culturen, tot op heden. 'Etnografisch' is een handige term die hier betekent: 'De westerse kunst niet volgen'.

Oude beschavingen

3500-331 BCE: Mesopotamia

Het "land tussen de rivieren" zag een verbazingwekkend aantal culturen opkomen en uit macht verdwijnen. De Sumeriërs gaf ons ziggurats, tempels en veel sculpturen van goden. Wat nog belangrijker is, was dat ze natuurlijke en formele elementen in de kunst verenigden. De Akkadiërs introduceerde de overwinningsstele, wiens gravures ons voor altijd herinneren aan hun dapperheid in de strijd. De Babyloniërs verbeterde de stele en gebruikte deze om de eerste uniforme wetboekcode op te nemen. De Assyriërs raasde wild van architectuur en beeldhouwkunst, zowel in reliëf als in de rondte. Uiteindelijk was het de Perzen die het hele gebied - en zijn kunst - op de kaart zetten, terwijl ze aangrenzende landen veroverden.

3200-1340 BCE: Egypte

Kunst in het oude Egypte was kunst voor de doden. De Egyptenaren bouwden graven, piramides (uitgebreide graven) en de Sfinx (ook een graf) en versierden ze met kleurrijke afbeeldingen van de goden waarvan ze geloofden dat ze in het hiernamaals regeerden.

3000-1100 BCE: Aegean Art

De Minoïsche cultuur, op Kreta, en de Mycenaeans in Griekenland bracht ons fresco's, open en luchtige architectuur en marmeren idolen.

Klassieke beschavingen

800-323 BCE: Griekenland

De Grieken introduceerden humanistische opvoeding, wat tot uiting komt in hun kunst. Keramiek, schilderkunst, architectuur en beeldhouwkunst evolueerden tot uitgebreide, zeer bewerkte en gedecoreerde objecten die de grootste creatie van allemaal verheerlijkten: mensen.

Zesde-vijfde eeuw vGT: de Etruskische beschaving

Op het Italiaanse schiereiland omhelsden de Etrusken de bronstijd op een grote manier en produceerden ze beelden die opmerkelijk zijn als gestileerd, sierlijk en vol impliciete bewegingen. Ze waren ook enthousiaste producenten van graven en sarcofagen, niet anders dan de Egyptenaren.

509 BCE-337 CE: Rome

Terwijl ze op de voorgrond kwamen, probeerden de Romeinen eerst Etruskische kunst weg te vagen, gevolgd door talloze aanvallen op Griekse kunst. De Romeinen leenden vrijelijk van deze twee veroverde culturen en creëerden hun eigen stijl, die er steeds meer voor stond macht. Architectuur werd monumentaal, sculpturen toonden omgedoopte goden, godinnen en prominente burgers en in de schilderkunst werd het landschap geïntroduceerd en werden fresco's enorm.

Eerste eeuw-c. 526: Vroeg-christelijke kunst

De vroege christelijke kunst valt in twee categorieën: die van de periode van vervolging (tot het jaar 323) en die na Constantijn de Grote erkende christendom: de periode van erkenning. De eerste staat vooral bekend om de bouw van catacomben en draagbare kunst die verborgen zou kunnen zijn. De tweede periode wordt gekenmerkt door de actieve bouw van kerken, mozaïeken en de opkomst van het maken van boeken. Beeldhouwkunst werd gedegradeerd tot werken in reliëf - al het andere zou als "gesneden beelden" worden beschouwd.

c. 526-1390: Byzantijnse art

Geen abrupte overgang, zoals de data impliceren, de Byzantijnse stijl liep geleidelijk af van de vroegchristelijke kunst, net zoals de oosterse kerk verder van de westerse groeide. Byzantijnse kunst wordt gekenmerkt door abstracter en symbolischer te zijn en minder betrokken te zijn bij elke schijn van diepte - of de zwaartekracht - die zichtbaar is in schilderijen of mozaïeken. Architectuur werd behoorlijk gecompliceerd en koepels overheersten.

622-1492: Islamitische kunst

Tot op de dag van vandaag staat islamitische kunst bekend als zeer decoratief. De motieven vertalen zich prachtig van een kelk naar een tapijt naar het Alhambra. Islam heeft verboden tegen afgoderij, dus we hebben daardoor weinig picturale geschiedenis.

375-750: Migratie Art

Deze jaren waren behoorlijk chaotisch in Europa, toen barbaarse stammen plaatsen zochten (en zochten en zochten) om zich te vestigen. Frequente oorlogen braken uit en constante etnische verplaatsing was de norm. Kunst was in deze periode noodzakelijkerwijs klein en draagbaar, meestal in de vorm van decoratieve spelden of armbanden. De stralende uitzondering op dit 'donkere' tijdperk in de kunst deed zich voor in Ierland, dat het grote geluk had aan een invasie te ontsnappen. Voor een tijdje.

750-900: De Karolingische periode

Karel de Grote bouwde een rijk dat zijn gekibbel en onbeholpen kleinzonen niet overleefde, maar de culturele revival die het rijk voortbracht bleek duurzamer. Kloosters werden kleine steden waar manuscripten in massa werden geproduceerd. Goudsmeden en het gebruik van edelstenen en halfedelstenen waren in zwang.

900-1002: The Ottonian Period

De Saksische koning Otto I besloot dat hij kon slagen waar Karel de Grote faalde. Dit is ook niet gelukt, maar Ottoniaanse kunst, met zijn zware Byzantijnse invloeden, heeft beeldhouwkunst, architectuur en metaalbewerking nieuw leven ingeblazen.

1000-1150: Romaanse kunst

Voor het eerst in de geschiedenis wordt kunst beschreven met een term anders dan de naam van een cultuur of beschaving. Europa werd meer een samenhangende entiteit, bijeengehouden door het christendom en feodalisme. De uitvinding van het tongewelf liet kerken kathedralen worden en beeldhouwkunst werd een integraal onderdeel van de architectuur. Ondertussen ging het schilderen vooral door in verlichte manuscripten.

1140-1600: Gotische kunst

"Gothic" werd voor het eerst bedacht om (bij wijze van uitzondering) de stijl van deze tijd van architectuur te beschrijven, die voortging lang nadat beeldhouwkunst en schilderkunst zijn gezelschap hadden verlaten. Met de gotische boog konden grote, stijgende kathedralen worden gebouwd, die vervolgens werden versierd met de nieuwe technologie van glas in lood. Tijdens deze periode beginnen we ook meer individuele namen van schilders en beeldhouwers te leren, van wie de meesten erop lijken alle dingen gotisch achter zich te laten. Vanaf 1200 begonnen er in Italië allerlei wilde artistieke innovaties plaats te vinden.

1400-1500: 15e-eeuwse Italiaanse kunst

Dit was de Gouden Eeuw van Florence. De machtigste familie, de Medici (bankiers en welwillende dictators), bracht rijkelijk eindeloze middelen uit voor de glorie en verfraaiing van hun Republiek. Kunstenaars kwamen samen voor een deel van de omvang en bouwden, vormden, schilderden en begonnen uiteindelijk actief de "regels" van kunst in vraag te stellen. Kunst werd op zijn beurt merkbaar meer geïndividualiseerd.

1495-1527: De hoge renaissance

Alle erkende meesterwerken uit de forfaitaire term "Renaissance" zijn in deze jaren gemaakt. Leonardo, Michelangelo, Raphael en bedrijf hebben dat gemaakt overtreffen meesterwerken, in feite dat bijna elke kunstenaar, voor altijd daarna, zelfs niet proberen om in deze stijl te schilderen. Het goede nieuws was dat vanwege deze Renaissance-groten het kunstenaarschap nu acceptabel werd geacht.

1520-1600: Maniërisme

Hier hebben we nog een primeur: an abstract term voor een artistiek tijdperk. Renaissance-kunstenaars bleven na de dood van Rafaël schilderen en beeldhouwen verfijnen, maar ze zochten niet naar een nieuwe eigen stijl. In plaats daarvan creëerden ze op de technische manier van hun voorgangers.

1325-1600: De Renaissance in Noord-Europa

Een renaissance vond elders in Europa plaats, maar niet in duidelijk omschreven stappen zoals in Italië. Landen en koninkrijken waren druk bezig met jockeyen voor bekendheid (vechten), en er was een opmerkelijke breuk met de katholieke kerk. Kunst nam plaats achter deze andere gebeurtenissen en stijlen veranderden van gotiek naar renaissance naar barok in een soort niet-samenhangende, kunstenaar-voor-kunstenaar basis.

1600-1750: Barok Art

Humanisme, de Renaissance en de Reformatie (onder andere factoren) werkten samen om de middeleeuwen voor altijd achter te laten en kunst werd door de massa geaccepteerd. Kunstenaars uit de barok introduceerden menselijke emoties, passie en nieuw wetenschappelijk begrip in hun werken - veel daarvan behielden religieuze thema's, ongeacht welke kerk de kunstenaars dierbaar waren.

1700-1750: Rococo

In wat sommigen een onverstandige zet achten, nam Rococo de barokkunst van "lust voor het oog" tot regelrechte vraatzucht. Als kunst of architectuur verguld, verfraaid of anderszins over de "top" zouden kunnen worden genomen, voegde Rococo deze elementen woest toe. Als een periode was het (genadig) kort.

1750-1880: Neo-classicisme versus romantiek

In deze periode was het zo ver dat er twee verschillende stijlen konden concurreren om dezelfde markt. Neoclassicisme werd gekenmerkt door een getrouwe studie (en kopie) van de klassiekers, gecombineerd met het gebruik van elementen die aan het licht kwamen door de nieuwe wetenschap van de archeologie. Romantiek daarentegen tartte gemakkelijke karakterisering. Het was meer een houding-één aanvaardbaar gemaakt door de Verlichting en het aanbreken van sociaal bewustzijn. Van deze twee had romantiek vanaf dit moment veel meer invloed op de koers van de kunst.

1830s-1870: Realisme

Onwetend voor de twee bovenstaande bewegingen, kwamen de realisten tevoorschijn (eerst rustig, dan heel luid) met de overtuiging dat geschiedenis geen betekenis had en kunstenaars niets moesten weergeven dat ze niet persoonlijk hadden meegemaakt. In een poging om 'dingen' te ervaren, raakten ze betrokken bij sociale oorzaken en, niet verrassend, bevonden ze zich vaak aan de verkeerde kant van het gezag. Realistische kunst maakte zich steeds meer los van de vorm en omarmde licht en kleur.

1860s-1880: Impressionisme

Waar het realisme wegging van de vorm, gooide het impressionisme de vorm uit het raam. De impressionisten deden hun naam eer aan (wat zij zelf zeker niet hadden bedacht): kunst was een indruk en kon als zodanig geheel worden weergegeven door licht en kleur. De wereld was eerst verontwaardigd over hun gratie en accepteerde toen. Met acceptatie kwam het einde van het impressionisme als een beweging. Missie volbracht; kunst was nu vrij om zich te verspreiden zoals het koos.

De impressionisten veranderden alles toen hun kunst werd geaccepteerd. Vanaf dit moment hadden kunstenaars de vrijheid om te experimenteren. Zelfs als het publiek de resultaten verafschuwde, was het nog steeds kunst en gaf het dus een zeker respect. Bewegingen, scholen en stijlen - in duizelingwekkend aantal - kwamen, gingen, liepen van elkaar af en soms versmolten.

Er is echt geen manier om akkoord te gaan allemaal van deze entiteiten zelfs een korte vermelding hier, dus we zullen nu slechts enkele van de beter bekende namen behandelen.

1885-1920: Post-impressionisme

Dit is een handige titel voor wat geen beweging was maar een groep kunstenaars (voornamelijk Cézanne, Van Gogh, Seurat en Gauguin) die het impressionisme voorbij gingen en verder gingen met andere, afzonderlijke inspanningen. Ze behielden het licht en de kleur die het impressionisme met zich meebracht maar probeerden een aantal van de andere elementen te plaatsen van kunstvorm en lijn, bijvoorbeeld-terug in kunst.

1890-1939: The Fauves and Expressionism

De Fauves ("wilde beesten") waren Franse schilders onder leiding van Matisse en Rouault. De beweging die ze creëerden, met zijn wilde kleuren en afbeeldingen van primitieve objecten en mensen, werd bekend als het expressionisme en verspreidde zich met name naar Duitsland.

1905-1939: Kubisme en futurisme

In Frankrijk vonden Picasso en Braque het kubisme uit, waarbij organische vormen werden onderverdeeld in een reeks geometrische vormen. Hun uitvinding zou elementair blijken te zijn voor de Bauhaus in de komende jaren, evenals het inspireren van de eerste moderne abstracte sculptuur.

Ondertussen werd in Italië het futurisme gevormd. Wat begon als een literaire beweging veranderde in een stijl van kunst die machines en het industriële tijdperk omarmde.

1922-1939: Surrealisme

Bij surrealisme ging het erom de verborgen betekenis van dromen bloot te leggen en het onderbewuste uit te drukken. Het was geen toeval dat Freud zijn baanbrekende psychoanalytische studies al had gepubliceerd voordat deze beweging opkwam.

1945-heden: abstract expressionisme

De Tweede Wereldoorlog (1939-1945) onderbrak alle nieuwe bewegingen in de kunst, maar de kunst kwam terug met een wraak in 1945. Abstract expressionisme verwierp alles uit een verscheurde wereld, inclusief herkenbare vormen, behalve zelfexpressie en ruwe emotie.

Eind jaren 1950-heden: Pop en Op Art

In reactie op het abstract expressionisme verheerlijkte Pop Art de meest alledaagse aspecten van de Amerikaanse cultuur en noemde ze kunst. Het was pret kunst wel. En in de 'happening' halverwege de jaren '60 verscheen Op (een afgekorte term voor optische illusie) Art op het toneel, net op tijd om mooi aan te sluiten bij de psychedelische muziek.

1970-heden

De laatste jaren is de kunst razendsnel veranderd. We hebben de opkomst van performance art, conceptuele kunst, digitale kunst en shock art gezien, om maar een paar nieuwe aanbiedingen te noemen.

Ideeën in de kunst zullen nooit stoppen met veranderen en vooruitgaan. Maar als we op weg zijn naar een meer globale cultuur, zal onze kunst ons altijd herinneren aan ons collectieve en respectieve verleden.