Oorsprong en scholen voor abstracte kunst

Abstracte kunst (soms niet-objectieve kunst genoemd) is een schilderij of sculptuur dat geen persoon, plaats of ding in de natuurlijke wereld weergeeft. Bij abstracte kunst is het onderwerp van het werk wat je ziet: kleur, vormen, penseelstreken, grootte, schaal en, in sommige gevallen, het proces zelf, zoals bij actieverfschilderij. 

Abstracte kunstenaars streven ernaar niet-objectief en niet-representatief te zijn, waardoor de kijker de betekenis van elk kunstwerk op zijn eigen manier kan interpreteren. Abstracte kunst is dus geen overdreven of vertekend beeld van de wereld zoals we zien in de kubistische schilderijen van Paul Cézanne (1839-1906) en Pablo Picasso (1881-1973), want ze presenteren een soort conceptueel realisme. In plaats daarvan worden vorm en kleur de focus en het onderwerp van het stuk.

Hoewel sommige mensen beweren dat abstracte kunst niet de technische vaardigheden van representatieve kunst vereist, zouden anderen smeken om te verschillen. Het is inderdaad een van de belangrijkste debatten in de moderne kunst geworden. Zoals de Russische abstracte kunstenaar Vasily Kandinsky (1866-1944) het uitdrukte:

"Van alle kunsten is abstract schilderen het moeilijkst. Het vereist dat je weet hoe je goed moet tekenen, dat je een verhoogde gevoeligheid hebt voor compositie en voor kleuren, en dat je een echte dichter bent. Dit laatste is essentieel." 

De oorsprong van abstracte kunst

Kunsthistorici identificeren typisch het begin van de 20e eeuw als een belangrijk historisch moment in de geschiedenis van de abstracte kunst. Gedurende deze tijd werkten kunstenaars aan het creëren van wat zij definieerden als 'pure kunst': creatieve werken die niet gebaseerd waren op visuele percepties, maar in de verbeelding van de kunstenaar. Invloedrijke werken uit deze periode omvatten Kandinsky's "Picture with a Circle" uit 1911 en "Caoutchouc", gemaakt door de Franse avant-garde kunstenaar Francis Picabia (1879-1953) in 1909.

De wortels van abstracte kunst zijn echter veel verder terug te voeren. Kunstenaars in verband met bewegingen zoals het impressionisme en het expressionisme van de 19e eeuw experimenteerden met het idee dat schilderen emotie en subjectiviteit kan vangen. Het hoeft niet alleen te focussen op schijnbaar objectieve visuele waarnemingen. Nog verder teruggaand, hebben veel oude rotsschilderingen, textielpatronen en aardewerkontwerpen een symbolische realiteit vastgelegd in plaats van te proberen objecten te presenteren zoals we ze zien.

Vroege invloed abstracte kunstenaars

Kandinsky wordt vaak beschouwd als een van de meest invloedrijke abstracte kunstenaars. Een beeld van hoe zijn stijl in de loop van de jaren is geëvolueerd van representatieve naar pure abstracte kunst is een fascinerende kijk op de beweging in het algemeen. Kandinsky was zelf bedreven in het uitleggen hoe een abstracte kunstenaar kleur kan gebruiken om een ​​schijnbaar zinloos werkdoel te geven.

Kandinsky geloofde dat kleuren emoties uitlokken. Rood was levendig en zelfverzekerd; groen was vredig met innerlijke kracht; blauw was diep en bovennatuurlijk; geel kan warm, opwindend, verontrustend of helemaal gek zijn; en wit leek stil maar vol mogelijkheden. Hij wees ook instrumenttonen toe die bij elke kleur past. Rood klonk als een trompet; groen klonk als een viool in de middelste stand; lichtblauw klonk als een fluit; donkerblauw klonk als een cello, geel klonk als een fanfare van trompetten; wit klonk als de pauze in een harmonieuze melodie.

Deze analogieën met geluiden kwamen voort uit Kandinsky's waardering voor muziek, vooral het werk van de hedendaagse Weense componist Arnold Schoenberg (1874-1951). De titels van Kandinsky verwijzen vaak naar de kleuren in de compositie of naar muziek, bijvoorbeeld "Improvisation 28" en "Composition II". 

De Franse kunstenaar Robert Delaunay (1885-1941) behoorde tot Kandinsky's Blue Rider (Die Blaue Reiter) groep. Met zijn vrouw, de in Rusland geboren Sonia Delaunay-Turk (1885-1979), zijn ze allebei aangetrokken tot abstractie in hun eigen beweging, Orphism of Orphic Cubism.

Voorbeelden van abstracte kunst en kunstenaars

Tegenwoordig is 'abstracte kunst' vaak een overkoepelende term die een breed scala aan stijlen en kunststromingen omvat. Hieronder vallen niet-representatieve kunst, niet-objectieve kunst, abstract expressionisme, kunst informeel (een vorm van gebaren), en zelfs sommige op-art (optische kunst, verwijzend naar kunst die gebruik maakt van optische illusies). Abstracte kunst kan gebaren, geometrische, vloeiende of figuratieve dingen zijn die niet visueel zijn, zoals emotie, geluid of spiritualiteit.

Hoewel we de neiging hebben om abstracte kunst te associëren met schilderkunst en beeldhouwkunst, kan het van toepassing zijn op elk visueel medium, inclusief assemblage en fotografie. Toch zijn het de schilders die de meeste aandacht krijgen in deze beweging. Er zijn veel opmerkelijke kunstenaars die de verschillende benaderingen vertegenwoordigen die men kan nemen voor abstracte kunst en ze hebben grote invloed gehad op moderne kunst.

• Carlo Carrà (1881-1966) was een Italiaanse schilder die vooral bekend was om zijn werk in het futurisme, een vorm van abstracte kunst die de nadruk legde op de energie en de snel veranderende technologie van de vroege 20e eeuw. Tijdens zijn carrière werkte hij ook in het kubisme en veel van zijn schilderijen waren abstracties van de werkelijkheid. Zijn manifest, "Painting of Sounds, Noises and Smells" (1913) had echter invloed op veel abstracte kunstenaars. Het verklaart zijn fascinatie voor synesthesie, een sensorische crossover waarin je bijvoorbeeld een kleur "ruikt", die de kern vormt van veel abstracte kunstwerken.
• Umberto Boccioni (1882-1916) was een andere Italiaanse futurist die zich concentreerde op geometrische vormen en werd sterk beïnvloed door het kubisme. Zijn werk verbeeldt vaak fysieke beweging zoals te zien is in "States of Mind" (1911). Deze serie van drie schilderijen geeft de beweging en emotie van een treinstation weer in plaats van de fysieke weergave van passagiers en treinen.
• Kazimir Malevich (1878-1935) was een Russische schilder die door velen wordt beschreven als een pionier van de geometrische abstracte kunst. Een van zijn bekendste werken is "Black Square" (1915). Het is simplistisch maar absoluut fascinerend voor kunsthistorici omdat, zoals een analyse uit het Tate vermeldt, "het de eerste keer is dat iemand een schilderij maakte dat niet van iets was." 
• Jackson Pollock (1912-1956), een Amerikaanse schilder, wordt vaak gegeven als de ideale weergave van abstract expressionisme, of actieverfschilderij. Zijn werk is meer dan druppels en spatten van verf op canvas, maar volledig gestural en ritmisch en gebruikte vaak zeer niet-traditionele technieken. Bijvoorbeeld, "Full Fathom Five" (1947) is een olie op canvas, gedeeltelijk gemaakt met kopspijkers, munten, sigaretten en nog veel meer. Sommige van zijn werk, zoals "There Were Seven in Eight" (1945) zijn enorm en strekken zich uit over een lengte van acht voet.
• Mark Rothko (1903-1970) bracht de geometrische samenvattingen van Malevich naar een nieuw niveau van modernisme met kleurenveldschilderen. Deze Amerikaanse schilder groeide op in de jaren 1940 en vereenvoudigde kleur tot een onderwerp op zichzelf, en definieerde abstracte kunst voor de volgende generatie. Zijn schilderijen, zoals "Four Darks in Red" (1958) en "Orange, Red en Yellow" (1961), vallen even op door hun stijl als door hun grote formaat.